for ENG version please scroll down

 

Работы Тимо ван Люйка на полках нашего стеллажа. Тимо - старожил бельгийской экспериментальной сцены, начинавший свою работу еще с деятелями шумовой волны Noise-Maker's Fifes. В последнюю пару десятилетий ван Люйк переключился на выпуск сольных и коллаборационных экзерсисов, используя в основном акустические инструменты. In Camera, Elodie, Af Ursin - лишь самые видные из его проектов, которые пытливый слушатель наверняка мог встретить во время своего бесконечного саунд-вояжа. А.А связался с Тимо и поговорил с лимбургским подвижником о снах, живых выступлениях и взаимопроникновении идей. 

 

 

Артем Абрамов: Тимо, мне кажется, что значительная часть вашей музыки резонирует с пребыванием человека в состоянии сна. А вы сами выполняете осознанные сновидения или другие онирические практики? Помогает ли записывать музыку то, что приходит из снов?

Тимо ван Люйк:
Обычно я ничем подобным не занимаюсь. Я всегда был мечтателем – это мой способ оставаться самим собой. Возможно, такой достаточно рано возникший механизм, позволяющий справляться с навязанными обществом «ценностями». Мои музыкальные и визуальные опыты помогают создать некое гнездо, в котором я мысленно ощущаю себя дома. Место, чью нематериальность можно сравнить с мечтаниями, сном или с кино. В свою очередь, я пытаюсь перевести эту ментальную среду обитания в музыку или образ. Если хотите, эту цикличную деятельность особого рода можно назвать аллегорической автобиографией.  Я чувствую, что это необходимо для моего благополучия, даже если иногда это сложно, и что-то не идет так, как задумано… Странная штука, на самом деле. Кто-то может посчитать это эскапизмом. Что ж, это может быть правдой... В этом мире более чем достаточно вещей, от которых стоило бы убежать, и у каждого есть свой способ справляться с ними или делать эти вещи стоящими. В любом случае, я считаю, что по-настоящему важно быть честным со своими мечтами или устремлениями.

Изначально вы устраивали La Scie Dorée как лейбл по выпуску своих собственных работ, включая совместные. Почему вы начали выпускать на нем других музыкантов, и почему иногда вы выпускаетесь вне него?

Вообще, на La Scie Dorée я не выпускал ничего, в чем не был задействован как музыкант сам. Не считая альбома проекта Ora «Time Out of Mind», который к тому времени был уже выпущен на диске лейблом Shining Day. Я думал, что это исключительный альбом, и я вроде как импульсивно предложил Эндрю [Чолку] и Даррену [Тейту] выпустить его на пластинке у меня. Это было крайне приятным делом как для них, так и для меня, так что, возможно, в будущем я выпущу больше чужих работ на La Scie Dorée.

 


Пару альбомов моего проекта Af Ursin выпускали другие лейблы. Деннис Тайфус с Ultra Eczema годами мне предлагал сочинить альбом для его лейбла. Он замечательный друг, я восхищаюсь его неуемной энергией, и мне хотелось представить что-то, что бы вполне подходило под лейбл и под него самого. А потом я набрел на какие-то старые фри-джазовые записи, которые я сделал в ранних 2000-х, и мне показалось уместным предложить их Деннису. У него эти записи были бы куда более уместными, чем тот вариант «трогательной камерной музыки», которую я обычно сочиняю. С другой стороны, даже несмотря на то, что эти записи все равно оставались моей музыкой, они бы не очень подошли La Scie Dorée. Так что и Деннис, и я остались довольны альбомом «Classement Vertical», в который они вошли.

Насколько я помню, вы самоучка. Однако, как вы пришли к звуку, который сильно напоминает европейскую академическую традицию?

Если честно, никогда об этом не думал. Я вообще не очень много думаю о том, что я делаю, с точки зрения музыкальной классификации. Но интересно читать этот вопрос – он заставляет меня размышлять на этот счет.

Что ж, я европеец, но не академист. Но я предпочитаю работать над записями, которые создаются благодаря свободным операциям с множеством звуковых дорожек, на которых записаны по большей части акустические инструменты. Меня всегда интересовало пробовать звук инструмента, даже если я не знаю, как играть на нем. Около двадцати лет назад мне повезло купить оркестр инструментов за какие-то гроши. Это позволило мне прочувствовать каждый из них и поработать с ними с учетом всех моих ограничений. Поразительно учиться тому, как каждым отдельным инструментом можно создать оттенок или тембр, подобный «классическому оркестровому», и как можно сделать подобное с помощью многодорожечной записи. Этот подход иногда может сходиться с несколько более академической традицией, на которую вы ссылаетесь.

Об этой «европейскости». Вы часто взаимодействуете с образами, относящимися к искусству и, меньше, к повседневной жизни в Конце прекрасной эпохи. Это осознанное решение делать что-то «вопреки», или же вы просто ценитель той культуры, что существовала перед Великой войной, и того, что последовало за символизмом?

Меня действительно привлекает символистское искусство, в нем скрыт внутренний мир, настолько же сильный и таинственный, насколько отдаленный от повседневности. Я расцениваю его как то духовное и даже священное, чьи ценности играют важную роль в моей работе и моей жизни. У меня никогда не было намерения делать что-то «вопреки» или «наоборот». Все это кажется весьма естественной вещью в моей личной и художественной среде, которая оказывается совершенно противоположной трендам «нынешней» жизни и современного искусства. Но меня это не волнует, да и тренды меня не интересуют.

Цифровая революция XXI века определенно имеет сходство с промышленной революцией XIX-го. Эффекты этих явлений косвенно отражаются и в моих работах, что и может быть причиной соответствия художественным тенденциям культуры до Первой мировой войны. История вроде как повторяет сама себя.

Самый банальный вопрос. Как изоляция повлияла на вас в плане занятий музыкой? Записывались ли вы, как и многие, дома? Вы тоскуете по возможности делать полевые записи?

Вся ситуация с пандемией не особо повлияла на мое музицирование. Я и так работаю и живу в относительной изоляции – частично из-за пребывания в сельской местности. Даже в небольшой стране вроде Бельгии нахождение вне города сильно отличается от урбанистической среды. Но я не делаю слишком уж много полевых записей, поскольку работа с ними – не моя главная цель и задача, так что не скучаю по ним. Я предпочитаю играть на своих инструментах и записывать их звук - они и есть мои скромные полевые записи.

Что вы слушаете в последнее время? Или же предпочитаете тишину как идеальный проводник для мыслей и идей?

Я всегда слушал достаточно разноплановую музыку, и мне все еще любопытно искать новые вещи в ней для собственного удовольствия. Всегда крайне приятно, когда тебя трогает или попросту сбивает с ног что-то новое, что происходит не так уж часто. Меня сильно впечатлил «Scanning» Роланда Кайна, как и бокс-сет Gentle Fire. Переизданные альбомы Эгисто Макки, также понравились некоторые архивные работы Хеннинга Кристиансена, которые были недавно опубликованы - настоящее удовольствие для исследования. Кроме того, я слушаю музыку друзей или свои собственные сокровища из прошлого.

Для вдохновения же никакая музыка мне не требуется. Листать старые книги или бродить по лесу, фотографируя – вот лучшая среда для идей. Вдохновляющим может быть перекрестное опыление нескольких дисциплин. Работа с фотографией может принести музыкальные озарения, и так далее. Все это становится одним языком, выраженным при помощи различных проводников.

Вы часто играете и записываетесь с участниками «старой» индустриальной сцены (Кристоф Хееман, Эндрю Чолк), кто нашел себя в более экспериментальном и изящном звуке. Это напоминает вам собственное движение от Noise-Maker's Fifes к электроакустике, или вы предпочитаете контактировать с людьми похожих интересов (и, возможно, юмора)?

Для меня это скорее вопрос дружбы. Меня не сильно волнует, из какой тусовки происходит этот самый «участник». Действительно, зачастую я работаю с людьми из схожих сцен, ведь обычно вы действительно делите общие интересы с друзьями. Но не обязательно все должно происходить именно так. Моя коллаборация с пианистом Фредериком Кроеном – как раз обратный пример; я самоучка, а он – обладатель академического музыкального образования. Наш различный бэкграунд в итоге дал комплиментарный эффект и сделал это пересечение интересным. Крайне полезная ситуация для нас обоих, и впереди нас ожидает только больше приключений.

Вы играли со Стивеном Стэплтоном тринадцать лет назад, и помогали ему записывать «Dark Fat». Как это было?

Я несколько раз присоединялся к Nurse With Wound для живых выступлений, и это всегда было потрясающе. Каждый человек в его группе прекрасен, и у тебя есть полная свобода делать что угодно. Словно ты выбираешься куда-то с друзьями, чтобы повеселиться и сделать что-то одновременно. «Dark Fat» - компиляция измененных в студии живых записей, так что я даже не знаю, с какой именно сессии туда вошел мой вклад. Но для меня было честью принять приглашение Стивена Стэплтона, так как я всегда восхищался музыкой, которую он выпускал с NWW и на United Dairies. Кроме этого – он действительно потрясающий человек, который стал прекрасным другом. Сейчас мы как раз работаем над альбомом, который выйдет сразу же, как будет готов.

 



А как Киран Санде с Blackest Ever Black наткнулся на альбом Af Ursin «Aura Legato» и решил переиздать его?

Киран просто написал мне в один прекрасный день. Без понятия, как он нашел мою музыку, и, если честно, я никогда его об этом не спрашивал. Если я помню верно, он попросил меня записать новый альбом для его лейбла, но я предложил ему переиздать «Aura Legato», поскольку к тому времени тот был давно распродан, но к нему оставался определенный интерес. Я совсем не знал, что из себя представляет лейбл Кирана, как и понятия не имел, что за группы он выпускает. Послушав кое-что из ростера, я не был убежден, что Blackest Ever Black окажется подходящим лейблом, но Киран в своих письмах всегда был крайне внимательным и решительным. Он явно знал, что делал, и это было достаточно убедительным. Я был рад, что он стремился перевыпустить «Aura Legato» и на CD, и на виниле. Это не такая уж и простая задача – переработать оригинальный конверт для CD без множества купюр, но он отлично справился.

 


Насчет живых выступлений. Ваша музыка достаточно камерная (и иногда даже камеральная) по своему духу, она требует пристального слушания в одиночестве. Почему для вас так важно делиться звуком с присутствующей аудиторией?

Мне нравится играть вживую, если условия достаточно подходящие. Не то чтобы я этого требовал, но время и тишина действительно важны для меня, а этого в наши дни иногда трудно добиться, особенно в городах или на фестивалях. Живое исполнение – совершенно другой опыт и процесс по сравнению с уединенной работой в домашней студии, где мультитрекинг позволяет мне сочинять в несколько этапов. В то время как вживую все должно происходить «все и сразу». Кроме того, я не хочу использовать какой-либо заранее записанный материал, потому что это оставляет полную свободу взаимодействия с ощущением момента и позволяет играть с тишиной. Ограничения, которые несет один инструмент, уменьшают звуковое разнообразие, но увеличивают фокусировку и концентрацию на тонкой, невесомой игре, которая автоматически увлекает заинтересованного наблюдателя в режим пристального слушания.  Все становится обнаженным, хрупким и тонким. Суть такого момента рождает особую энергию, которой я не могу достигнуть, когда работаю в студии дома. Для живых выступлений я использую различные, зачастую самодельные инструменты вроде листов металла, модульных колоколов (совмещающих в себе модульные синтезаторы и цилиндрические колокольчики) или швейной машинки. Выступление становится чем-то вроде музыкально-звуковой скульптуры: прямой, тактильной и упрощенной (иногда чисто акустической), и, как я думаю, визуально оно интереснее. В любом случае, для меня такой подход работает лучше всего, имею в виду, когда я играю сольно как Af Ursin. В групповых выступлениях, конечно, все по-разному, в зависимости от ситуации или сути коллаборации.

Кроме чисто музыкального аспекта – я люблю играть вживую по социальным причинам. Этот тот самый случай, по которому я часто вижусь с друзьями и знакомлюсь с другими людьми. Что, конечно, всегда приятно.

 

 

 

for ENG version please scroll down

 

Artem Abramov: Timo, as I see, much of your music operates with human residence in the state of dream. Do you exercise in lucid dreaming or other oneiric practices? Did something that comes from the dreams help you in recordings?

Timo van Luijk: I usually don't do anything like that. But I've always been a dreamer - it’s just the way I am. Perhaps this is a mechanism that emerged early enough to cope with the “values” imposed by society. My musical and visual experiences help to create a nest that mentally feels like home, a place for physical absence maybe parallel to dream, sleep or a movie. And the other way around I try to translate this mental habitat into music or image. A kind of a cyclic activity, an allegorical autobiography if you want. It feels as a necessity for my well-being even knowing it’s sometimes difficult and does not always do well... A strange thing really. Some might see this as a kind of escapism. Well, this might be true… there are more than enough things in this world to run from and everyone has his own way to deal with this or to make things worth. In any case I think it's really important to be honest with your dreams or aspirations.

Initially you organized La Scie Dorée as label for your own works and collaborations. Why did you start to issue other people on it, and why sometimes you release your own work outside of it?

Actually, on La Scie Dorée I did not release anything that I was not involved in as a musician myself. Apart from Ora's "Time Out of Mind" album, which had already been released on CD by Shining Day. I thought it was an exceptional album, and I kind of impulsively suggested Andrew [Chalk] and Darren [Tate] to re-release it as an LP on my label. It was a rewarding thing to do for them and for me and maybe in the future I will release more other people's work on La Scie Dorée.

 


A couple of albums of my project Af Ursin were released by other labels. Dennis Typhus from Ultra Eczema offered since years to write an album for his label. He is a wonderful friend, I admire his irrepressible energy, and I wanted to present something suitable for his person and label. When I came across some old free jazz recordings I did in early 2000 it felt right for me to offer this to him. Much more appropriate than the kind of 'intimate chamber music’ I was doing. And from the other side, even being my own music, these free jazz recordings would have fitted less on La Scie Dorée. So both Dennis and I were pleased with this "Classement Vertical" album.

As I remember, you are an autodidact. However, how did you come to sound much alike to European academic tradition?

To be honest, I never thought about it. I don't really think much about what I am doing in terms of musical style. But this question is interesting to read - it makes me think about it.

Well, I'm European, but not an academic. I tend to work on recordings by multitracking in order to create loose arrangements mainly with acoustic instruments. I've always been interested in trying the sound of an instrument, even if I don't know how to play it. About twenty years ago I was lucky to buy an orchestra of instruments for a pittance. This allowed me to experience each of them and work with them, taking into account all my limitations. It is amazing to learn how with each individual instrument you can create a specific tone or timbre or simulate a 'classical orchestra’ by multitrack recording. This approach can sometimes converge with the somewhat more academic tradition you are referring to.


About this “Europeanness”. You often deal with images related to the art and (less) everyday life of Fin de siècle. Is it a thoughtful decision to do something à rebours, or you’re just a connoisseur of pre-Great War culture and successors of Symbolism?

I'm definitely attracted by Symbolist art. It contains an inner world, so strong and mysterious, so distant from everyday life. These images have a strong effect on me and therefore I kind of regard them as spiritual or even sacred, values ​​that also have importance in my own life and work. I never had the intention of doing anything “à rebours" or "vice versa.” It’s just a natural thing within my personal and artistic environment, which turns out to be quite opposite to current trends in modern life and contemporary art. But I don’t care about that and am not at all interested in trends.

The digital revolution of the 21st century definitely resembles the industrial revolution of the late 19th century. The effects of these phenomena are indirectly reflected in my works, which may be the reason for the correspondence to the artistic tendencies of culture before the First World War. History seems to be repeating itself.


The most commonplace question. How isolation has influenced you in terms of making music? Did you do, like many, records at home? Did you yearn for the opportunity to do field recordings?

The whole situation with the pandemic did not really affect my music making. I already work and live in relative isolation - partly due to my stay in the countryside. Even in a small country like Belgium, living in the countryside is very different from an urban environment. But I don't do many field recordings, because working with them is not my main interest, so I don't miss them. I prefer to play with and record my instruments, they are my little field recordings.

What have you been listening to lately? Or do you prefer silence as an ideal medium for thoughts and imagination?

I've always listened to quite diverse music and I’m curious to discover new things, just for pleasure. It is always pleasant when you are touched or simply knocked down by something new, which does not happen very often. I was very impressed with Roland Kayn's "Scanning" and also the Gentle Fire CD box set. The reissued albums of Egisto Macchi and some recently published Henning Christiansen's archival works were a joy to discover. And of course I like to listen to 'friends' music or my personal treasures from the past.

I don't need any music for inspiration. Leafing through old books or wandering through the woods taking photographs brings ideas. Cross-pollination of several disciplines can be inspiring, like working with photography can bring musical insights, and so on. All this becomes one language, expressed through various vehicles.


You often play and record with participants of 'old' industrial scene (Christoph Heemann, Andrew Chalk), who moved into more experimental and fine sound. They resemble you in your own way through Noise-Maker's Fifes to electroacoustic, or do you prefer to be in touch with people of similar interests (and maybe, humor)? 

For me, it's more a matter of friendship. It does not matter to me what kind of crowd this "participant" comes from. Indeed, I mostly work with people from similar musical backgrounds, because usually you really share common interests with friends etc. But it doesn't have to be that way. My collaboration with pianist Frederik Croene is just the opposite; I am self-taught while he had an academic musical education. Our different backgrounds have a complimentary effect and made this intersection interesting. A very enjoyable and rewarding situation for both of us, with more adventures ahead of us.

You played with Steven Stapleton 13 years ago and on his Dark Fat. How was it?


I've joined Nurse With Wound several times for live performances and it was always very enjoyable. Everyone in the band is really nice and you there is full freedom with the music. It's like going out with friends and having good creative time together. "Dark Fat" is a compilation of edited live recordings, I don't know which session my contribution came from. But I was honored to accept Mr. Stapleton’s warm invitation to join in. I have always admired the music he released with NWW and through United Dairies. Besides, he is a wonderful man who has become a good friend. We are currently working on the album, which will be released as soon as it is ready.

 



How Kiran Sande of Blackest Ever Black stumbled upon Aura Legato and decided to reissue it?

Kiran just sent me an email one day. I have no idea how he came across my music and never asked him about it. If I remember correctly, he asked me to record a new album for his label, but I suggested him to re-release "Aura Legato" because it was out of print and there seemed to be some interest in this album. I didn't know at all Kiran's label, and I had no idea what kind of bands he was releasing. Having heard some of his releases I wasn't sure if Blackest Ever Black would be the right label but Kiran was always very enthusiastic and considerate in his letters. He clearly knew what he was doing which felt convincing enough. I was glad that he was looking to re-release Aura Legato on both CD and vinyl. It was not an easy task to reproduce the original album sleeve but he did a great job.

 


Live performances. Your music is quite chamber (and sometimes even cameral) in its spirit, dedicated to close listening in solitude. Why is it so important to you to share the sound with present audience?

I like to play live if the conditions are right. Not that I’m that demanding, but for instance time and silence are really important to me which sometimes seems to be difficult to offer these days, especially in cities or at festivals. Performing live is a completely different experience and process compared to working alone in the homestudio, where multitracking allows me to compose in different steps. Live everything needs to happen "all at once". Also, I do not want to use any pre-recorded material because this leaves all freedom to interact with the feeling of the moment and play with silence. Limitation to a single instrument reduces sonic variety, but increases focus and concentration on subtle, weightless play that automatically draws the interested observer into intent listening mode. Everything is more naked, fragile and subtle. The essence of the moment brings in a special energy that I do not get when I work in a home studio. For live performances, I often use homemade instruments such as sheet metal, modular bells (assimilation of modular synth and tubular bells) or a sewing machine. The performance becomes a bit of a musical sound sculpture: direct, tactile and simplified (sometimes purely acoustic), and, I think, it is visually more interesting. In any case this approach works best for me, I mean when I play solo as Af Ursin. In group performances it's different of course, depending on the situation or the nature of the collaboration.

Apart from the purely musical aspect - I love playing live for social reasons. It’s an occasion where I often see friends and meet other people. Which, of course, is always nice.